Impresionismo

No es un movimiento rupturista, ya que no rechazan lo anterior sino que reivindican la posibilidad de hacer algo distinto y tampoco tienen pretensiones teóricas. Se los puede considerar como una vertiente radical del realismo. En 1873 exponen colectivamente en el “Salon des refusés”.

Influencias

• la fotografía
• los grabados japoneses

Desafío temático

• banalizan los temas
• pintan al aire libre “plein – air”

Desafío técnico

• pincelada suelta: plasmar los reflejos de la luz sobre una superficie que está en constante movimiento les llevó a desarrollar una pincelada que permitiera captar tanto las formas huidizas del agua como los colores elusivos que serpentean sobre las superficies del agua. Esta pincelada tiene las propiedades de un brillante mosaico compuesto por muchos brochazos coloreados y de formas irregulares.
• no dibujan / pintan directamente sobre la tela
• no utilizan la línea ni la sombra del negro: notaron también que las sombras, como el color local, no están compuestas de un solo matiz, sino de muchos, y que los colores de las sombra incluyen complementarios del color del objeto que la proyecta.
• no mezclan los colores en la paleta: cuando las pinceladas interrumpidas de color puro se colocan unas al lado de otras, es el espectador quien unifica los colores a medida que se aleja del cuadro hasta obtener la experiencia visual final. Este fenómeno se llama mezcla óptica, porque la fusión de colores tiene lugar en el mecanismo óptico y perceptivo del observador.
• mancha de color

Desafío conceptual

• captar el instante / percepciones visuales: como los colores dependen del órgano de la percepción, y el ojo es un elemento personal de cada artista individual, la importancia del color acentúa la naturaleza subjetiva de su arte.
• color local: la preocupación básica de los impresionistas era la calidad de los efectos constantemente cambiantes de de la luz sobre la superficie de los objetos de la naturaleza y el modo de traducir en pintura esas percepciones. Esto les llevó al análisis del color local, es decir, el color del objeto en la naturaleza, bañado por una luz siempre cambiante. Se dedicaron por completo a registrar las variaciones de color de la luz reflejada y anotaron numerosos fenómenos.

E. Manet (1832 – 1883)

Su Almuerzo en la hierba, escandalizó a la sensibilidad contemporánea porque colocaba a mujeres desnudas junto a hombres vestidos en una situación considerada indecente. Además, la sencillez del título no permitía interpretar un significado elevado para la obra. Es significativo el hecho de que Manet tomara prestado del Renacimiento no sólo un tema conocido, sino también recursos compositivos, como las interpretaciones de arcos y triángulos en diferentes planos. La escena no encaja ni el plano de la experiencia ordinaria ni en el de la alegoría. Como manifestación visual de libertad artística; afirma el privilegio del pintor de combinar todos los elementos que quiera únicamente con miras al efecto estético. Aquí comienza una actitud que más tarde iba a resumirse en la doctrina del arte por el arte.

Rehuye de todos los métodos ideados para transformar una superficie plana en espacio pictórico. En las zonas de color anchas y planas, prescinde de las técnicas académicas de dotar a la superficie pintada de un acabado apropiado y de modelar sus formas tridimensionalmente. La propia tela ha sido objeto de una nueva definición - ya no es una ventana, sino una pantalla hecha de manchas de color. Había que salvar a la pintura de la máquina fotográfica. Manet lo llevó a cabo al insistir en que una tela pintada es una superficie material recubierta de pigmentos, que debemos mirar a ella, no a través de ella.

Monet

Monet fue el único que se mantuvo fiel a la visión impresionista de la naturaleza. Hacia 1890 empezó a pintar cuadros en series, presentado el mismo tema en diferentes condiciones de luz y atmósfera.

Renoir

Renoir llenó sus cuadros con la joie de vive de un temperamento enormemente optimista. Las escenas del mundo de las diversiones, cafés, teatros, salas de baile, conciertos, fueron sus temas preferidos.

Degas

Las composiciones audazmente calculadas de Degas que parecen tan poco estudiadas como una instantánea le dieron un lugar aparte de sus colegas impresionistas. No abandonó su primitiva alianza con el dibujo, y muchas de sus obras están hechas con pastel, medio por el que sentía particular predilección, porque permitía efectos de línea, tono y color simultáneamente.

Postimpresionismo

Designa a un grupo de artistas que pasaron por una fase impresionista pero que, no satisfechos con las limitaciones del estilo, siguieron avanzando en diferentes direcciones, sin embargo, no eran anti–impresionistas Cézanne y Seurat se preocuparon por la forma; Cézanne en cuanto a la construcción del cuadro y Seurat en la técnica. Van Gogh y Gauguin pusieron énfasis en la expresión de sus emociones personales.

Cézanne

Cézanne resolvió hacer del impresionismo algo sólido y duradero, el arte como expresión severa. Buscaba la armonía de forma y color: cada pincelada es como un ladrillo de construcción, firmemente colocado en la arquitectura pictórica. Integra el fondo ornamental con las formas tridimensionales. Simplifica las formas y las perfila con contornos oscuros, en una perspectiva incorrecta siendo su objetivo poner al descubierto las cualidades permanentes que hay debajo de las apariencias accidentales ya que, según él, todas las formas de la naturaleza se basan en el cono, la esfera y el cilindro. Es un antecedente directo del cubismo.

En Naturaleza muerta con frutero, vaso y manzanas, cada fruta está captada por separado y cada una desde un punto panorámico distinto. Del mismo modo se combinan diferentes perspectivas de objetos individuales para crear una composición estable.

Seurat

Seurat efectuó incontables series de estudios preliminares que reflejan su creencia de que el arte debe basarse en un sistema. En sus últimas obras, las pinceladas se convierten en minúsculas manchas de colores primarios que se suponía se mezclaban en el ojo del espectador y producían tintas intermedias más luminosas que las que podían lograrse con pigmentos mezclados en la paleta. A este procedimiento se lo denominó neoimpresionismo, puntillismo o divisionismo.

Van Gogh

Van Gogh dedicó sus mayores energías a la pintura de paisajes y vio a la campiña llena de extático movimiento. El dinamismo contenido en cada pincelada hace de cada una de ellas no un depósito de color, sino un gesto incisivamente gráfico. Sin embargo, para el propio Van Gogh era el color, no la forma, lo que determinaba el contenido expresivo de sus cuadros. Su pintura no es una representación del mundo exterior sino el reflejo de su mundo interior. Es un antecedente del expresionismo.

Gauguin

La búsqueda de la experiencia religiosa desempeñó un importante papel en la obra de Gauguin. Lidera el movimiento llamado sintetismo o simbolismo. Creía que la sociedad occidental estaba desquiciada, que la sociedad industrial había llevado a los hombres a una existencia incompleta consagrada a las ganancias materiales, descuidando sus emociones. En la década de 1890 vivió en Tahití y su obra en aquella época se centró en la vida sencilla de aquel pueblo no corrompido por la civilización occidental.

Desarrolló en estilo caracterizado por dibujos planos de colores brillantes contorneados a menudo por colores oscuros o negros, que combinan el interés de Gauguin por el arte primitivo y japonés y las artes aplicadas.

En su obra Jacob peleando con el ángel, para trasmitir la sensación de aparición, presenta a a los grupos en escala desproporcionada. El manzano divide diagonalmente la superficie de la composición, como un grabado japonés, y la ausencia de sombras y formas planas, llenas de color y definidas claramente, ilustran sus nuevas ideas de estructura.

De Stijl o Neoplasticismo

El movimiento De Stijl (el estilo), o movimiento neoplástico, que tuvo una vida activa desde 1917 hasta 1931, puede caracterizarse en lo esencial a través de la obra de tres hombres: los pintores Mondrian y van Doesburg y el arquitecto Rietveld. “Si se libera a los medios de expresión de todo lo que tienen de particular, estarán en armonía con el fin último del arte, que es llegar a un lenguaje universal.” (van Doesburg) Fue un movimiento revolucionario que centró sus objetivos en un plano teórico casi exclusivamente estético.

Influencias

La filosofía neoplatónica del matemático Dr. Shoenmaekers quien en su libro La Nueva Imagen del Mundo, se refirió a la preeminencia cósmica de la ortogonalidad en los siguientes términos “los dos extremos absolutos fundamentales que conforman nuestro planeta son: la línea de fuerza horizontal, es decir, la trayectoria de la Tierra alrededor del sol, y el movimiento vertical y profundamente espacial de los rayos que tiene su origen en el centro del sol.” Más adelante, escribe

Los tres colores principales son esencialmente el amarillo, el azul y el rojo. No existen más colores que ellos… El amarillo es el movimiento de la radiación… El azul, el color de contraste con el amarillo… En cuanto color, el azul es el firmamento, es línea, horizontalidad. El rojo es la cópula del amarillo y del azul… El amarillo se irradia, el azul se aleja y el rojo flota.

El desarrollo estético y programático del movimiento De Stijl puede dividirse en tres fases. La primera fase, de 1916 a 1921, es de formación y se centra fundamentalmente en Holanda, con alguna participación exterior; a la segunda fase, de 1921 a 1925, hay que considerarla como un período de plenitud y expansión internacional, mientras que la tercera fase, de 1925 a 1931, hay que verla como un período de transformación y finalmente de desintegración.

Piet Mondrian

En 1917 Mondrian se encuentra en un punto de partida intelectualmente nuevo, en el que su obra comprende una serie de composiciones consistentes en planos de color, rectangulares y flotantes. En esta encrucijada ha abandonado para siempre la paleta y la técnica pictórica de su período postcubista (1912 – 1312) y también la nerviosa linealidad a trazos y formato elíptico de su estilo oceánico. Llega a formulaciones que considera ser un orden plástico puro y totalmente nuevo. En 1924 se produjo una ruptura con van Doesburg, motivada porque este último introdujo la diagonal en sus obras.

Gerrit Rietveld

1917 es también el año de la famosa silla roja y azul diseñada por Rietveld. En la forma de la silla se materializaron por primera vez las franjas y los planos de composición como elementos articulados y desplazados en el espacio. Lo destacado de esta silla, aparte de su articulación expuesta a la vista, es que se han empleado exclusivamente colores primarios en conjunción con una estructura lineal negra; una combinación que, complementada con el gris y el blanco, habría de convertirse en la gama de colores canónica del movimiento De Stijl.

Otras obras importantes de Rietveld son el estudio del Dr. Hartog (1920), la silla Berlín (1923) y la casa Schröder (1924). La casa Schröder era a la vez elementalista, funcional y sin precedentes. Se la podía ver igualmente como no monumental y dinámica; como anticúbica en su forma y antidecorativa en su color. Sin embargo, por muy ingeniosamente que se las arreglase para parecer lo contrario, acabó construyéndose, de hecho, por razones tanto técnicas como financieras, como una estructura tradicional de ladrillo y madera.

Werkbund Institut

Es la primera actitud programática del siglo. Su postura arbitral e integradora frente a los defensores y detractores a ultranza de los valores artesanales del trabajo manual y del progreso social a través del uso de la máquina, es la clave del enorme éxito de la iniciativa que configuró en su seno lo que habría de ser, unos años más tarde, la Bauhaus.

“El propósito del Werkbund es el de ennoblecer el trabajo artesano; vinculándolo al arte y a la industria, la artesanía y las fuerzas activas manuales, quiere unir esfuerzos y tendencias hacia el trabajo de calidad existente en el mundo del trabajo; constituye el punto de reunión de aquellos que deseen producir un trabajo de calidad.”

Alberto Durero

Alberto Durero (1471 - 1528) era hijo de orfebre y en 1486 ingresó como aprendiz en el taller de Wolhemut, reconocido editor de Nuremberg. Demostró ser un maestro en lo fantástico y visionario. Se consideró a sí mismo como un innovador del arte de su país; reflexionó sobre lo que realizaba y sobre sus motivos, tomó notas de sus viajes e indagaciones y escribió libros para adoctrinar a su propia generación.

Los cuatro jinetes del Apocalipsis es un libro de 32 páginas de 44 x 30 cm, con 15 ilustraciones. Esta compuesto a dos columnas en tipografía gótica a la izquierda con las ilustraciones en la pág. derecha. Tiene un imprecedente poder emocional y expresión gráfica intensa. El volumen y la profundidad, la luz y las sombras, la textura y el área de superficie son creadas con tinta negra en papel blanco, lo cual se convierte en una metáfora de la luz en un mundo turbulento de potencias extraodinarias.

Otras series importantes son La gran pasión y La vida de la virgen. La madurez de su trabajo logró un dominio en el uso de la línea para dar tono.

Los pliegos sueltos de Durero, por ejemplo El Rinoceronte, eran muy populares. La imagen se basaba en una descripción escrita y un conciso boceto, realizados por un artista desconocido, de un rinoceronte indio que había llegado a Lisboa a principios de ese año.

Entre sus grabados calcográficos los más importantes son: Adán y Eva, San Jerónimo, El caballero, La muerte y el diablo y La melancolía.

Sus viajes a Venecia lo capacitaron para absorber la teoría y técnica de la pintura, así como la filosofía humanista del Renacimiento.

Escribió un libro, titulado Underweisung der Messung mit der Zirckel und Richtsheyt, cuyos dos primeros capítulos son análisis teóricos de geometría lineal y de construcción geométrica bidimensional. El tercer capítulo explica la aplicación de la geometría a la arquitectura, decoración, ingeniería y formación de letras. Las maravillosamente proporcionadas letras romanas mayúsculas, con instrucciones claras para su construcción, contribuyeron de manera significativa a la evolución del diseño del alfabeto. También explica el diseño de un alfabeto a partir de la repetición de un módulo. El cuarto capítulo abarca la construcción de sólidos geométricos, perspectiva lineal y ayudas mecánicas para el dibujo.

A partir de 1496 firma todas sus obras con su monograma, iniciando la era moderna del diseño de imagen corporativa. La inserción de la D dentro de la A es un hallazgo formal que participa claramente de la retórica geométrica del Renacimiento.

Trabajó a sueldo para el emperador de Holanda, donde fue muy bien recibido. Como el emperador no tenía dinero para construirse un arco de triunfo, Durero le hizo uno de papel.